｢Netflixをなぞる作品が量産｣オダジョーが警鐘

「面白くなければ、俳優じゃない」
「数字の正解」に縛られたら、作品は面白くなくなる
「稼ぐ場所」と「表現する場所」を分けた理由
「これは映画でなければ語れない」と思った瞬間
感情を見つめ、言葉にして、演技へと昇華する
乾いた心が交差する、その静かな瞬間に希望を込めて
余白を知り、質に向き合う―50歳を前に見えた働き方のかたち

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オダギリさんが考える「俳優の役割」とは（撮影：長田慶）

Netflixでヒットした作品をなぞる企画が次々と生まれ、俳優には私生活までも“整っている”ことが求められる――。

【写真9枚】芸歴25年、49歳になったオダギリジョーの最新ショット

多様性が薄れ、表現が均質化していくこの時代に、俳優はどうあるべきなのか。芸歴25年、49歳になったオダギリジョーに「配信全盛時代の危うさ」と「表現者としてのリアル」を聞いた。

「面白くなければ、俳優じゃない」

――今年49歳を迎えるオダギリジョーさん。小さな小劇場からキャリアをスタートし、25年にわたり第一線で活躍し続けてきました。時代が大きく変化する中で、オダギリさんが考える「俳優の役割」とは？

そもそも俳優に役割があるのかわかりませんが（笑）……。俳優に必要なものを言葉にするなら、やっぱり俳優は“面白くなければいけない”と思うんです。

――面白さ、ですか？

はい。僕たちの世代から見ると、昭和の俳優たちは生き方にも演技にもその人らしさがあふれていて、“荒々しさ”や“生々しさ”のような独特の魅力を感じていました。萩原健一さんにしても勝新太郎さんにしても、その人生や人としての濃度が、そのまま芝居の魅力につながっていた気がします。

でも今は、俳優個人の私生活にまでコンプライアンスが求められ、少しの失敗も許されない空気がある。その“安全圏”に縛られた聖人君子から、人を惹きつける深い表現が本当に出てくるのか。僕はそこに強い疑問を感じています。

――確かに、俳優という存在が“整えられて”いる印象はあるかもしれません。

（撮影：長田慶）

そうなんですよね。教科書に書いてあるまじめな演技も良いんですが、俳優自身に“揺れ”や“危うさ”がなければ、芝居にそういったニュアンスは絶対に乗りません。結果的に見たことのない芝居や、眼が離せないような芝居は生まれないでしょう。現代の俳優は、そうした挑戦しにくい環境に置かれているように思います。

でも、それでもなお、表現者は“怖さ”を超えて挑み続けるべきだと思うんです。誰にも予測できず、心をざわつかせる芝居を求め続けること――それが、俳優に科される使命だと思います。

時代に合わせながらも、自分の中の豊かさを削らずに、むしろ荒波に飛び込み、表現し続けるべきだ。そう思っています。

「数字の正解」に縛られたら、作品は面白くなくなる

――作品が届く“距離”という意味でも、テレビから配信へと時代は大きく変わりました。日本の作品が世界に届きやすくなった今、この変化をどう感じていますか？

（撮影：長田慶）

自分自身、配信ドラマに多く関わっていないし、配信制作の裏側に詳しいわけでもないんですが……それでも“配信時代”の落とし穴のようなものは感じています。

たしかに、世界中に作品を届けやすくなったのは素晴らしいことです。でも一方で、配信のプラットフォーム内では「数字が取れる作品」こそが“正義”になっていく流れもありますもんね。

――つまり、作品がアルゴリズムに先導されてしまうような？

まさにそうだと思います。数字をもとに「これがウケる」と分析されると、それをなぞるような作品が増えていく。Netflixで当たった作品の要素を取り入れた似た企画が次々と出てきたり、Prime Videoでも同じような傾向が起こったり。そうやって“ヒットの型”が量産されていくと、近い将来には作品の個性や多様性がどんどん薄れた、似た作品があふれる状態になるのではないでしょうか。

皆が数字を気にしながら「正解」を目指すと、作品はどこまでも“井の中の……”に閉じこもってしまう。それって、すごくもったいないですよね。もっと“ズレ”とか“とがり”のある作品があってもいいし、観たあとに今まで気づきもしなかった価値観との出会いが生まれにくくなっている気がします。

もちろん、配信がもたらす恩恵は大きい。でもそれと引き換えに、創造性が削られてしまっては意味がない。だからこそ、その構造に無自覚でいてはいけないと思っています。

「稼ぐ場所」と「表現する場所」を分けた理由

――以前「お金はテレビで稼いで、やりたいことは映画でやる」とおっしゃっていたのが印象的でした。

（撮影：長田慶）

それは、若い頃に言っていた言葉ですね（苦笑）。まだテレビにもある程度制作費があった時代で……10年、いやもっと前かもしれませんね。

映画って、出資を募って、美学を追求する勝負の世界なんですよね。本気でやりたいことができる反面、それが“お金になる”とは限らない。でも僕は、そういう不確実さやリスクを抱えながらも、自分の表現を追い求める映画の現場に、やはりロマンを感じていたんです。

一方でテレビドラマは、スポンサーがいて、決められた枠組みの中で作品をつくる。“土俵が整っている世界”とでも言えばいいでしょうか。予算も決まっているから、その中で何ができるか最善を尽くすという構造です。それはそれで面白いんですが、映画とは、根本的に“作り方”が逆なんです。

――安定と挑戦、それぞれの現場に異なる魅力と意味があるということですね。

やりたいことが明確にあるなら、映画で勝負するべきだし、ある意味実験的なことを試せるのは、すでに予算があるテレビドラマなんですよね。それは結局、結果よりも「何を表現したいか」が問われる違いなんだと思います。

若いときはそうしたロジックをうまく説明できないまま、ギャラの差でそうした言い方をしていたのでしょうが（苦笑）、浅はかな表現ですね。ただ、当時の自分は、テレビやCMなどで、ある程度生活の土台を築いたうえで、自分の本当に大切な表現に集中する――そんなスタンスでいたいと思っていたのは確かです。

「これは映画でなければ語れない」と思った瞬間

――主演と共同プロデューサーを務めた映画『夏の砂の上』（7月4日公開）は、第27回上海国際映画祭で邦画として23年ぶりとなる審査員特別賞を受賞しました。脚本を読んで「これは映画にすべきだ」と感じたといいますが、なぜそう思ったのでしょうか？

2000年代初頭は、日本映画がもっと自由で、多種多様な作品があふれていました。でもこの10〜20年は、明らかにそうした多様性が失われてきた。そんな中で『夏の砂の上』の脚本に出会って、『まだこういう作品をつくろうとしている人たちがいるんだ』と、心を動かされたんです。出演を決めたのは、その思いに共鳴したからです。

――作る側の信念が、しっかりと形になったんですね。

原作に強く惹かれた玉田真也監督は、自身の劇団で舞台化もしているほどの思い入れがありました。その熱がプロデューサーを動かして、映画化が実現したんです。舞台では“家”という限られた空間（ワンシチュエーション）で物語が展開されますが、映画なら視点の切り替えやロケーション、象徴的な映像表現によって、もっと多層的に描ける。その可能性に、監督も真剣に挑戦していました。

――今回は俳優としてだけでなく、共同プロデューサーとしても深く携わられています。「俳優の立場を超えて、経験を注いだ」とおっしゃっていましたが、具体的にはどのような関わり方をされたのですか？

脚本だけでなく、編集や音響といった“仕上げ”の工程にも深く関わりました。実はそういった工程こそが自分の得意分野なんです。例えば編集で言うと、特に意識したのは“視線の流れ”です。どこでカットを切るか、どれくらいの長さで見せるか――そうした編集の工夫ひとつで、観る人の捉え方や感情の動きが大きく変わってくるんですよ。

音も同じです。どこに何の音を配置するかによって、場面の空気感や緊張感、登場人物の心の揺れを伝えることができます。玉田監督と話していたのは、“静けさの中にある美しさ”をどう表現するかということ。あえて過剰な演出はせず、観る人の内側にじんわりと染み込んでいくような表現を目指しました。

感情を見つめ、言葉にして、演技へと昇華する

――劇中では、息子を亡くした喪失感や、妻・恵子（松たか子）との別居による葛藤など、深い感情が丁寧に描かれています。オダギリさんは、そうした“ネガティブな感情”と、どのように向き合って演じられたのでしょうか？

喪失感や怒りといった大きな感情は、時に“道具”として使えるし、時に“燃料”にもなるんです。若い頃に学んだ『メソッド』という演技法に取り組んできたなかで、自分の感情や記憶を再体験する訓練を積んできました。

自分の過去の経験をラベリングしていくことで、自分の感情を整理し、客観視できるようになる。そうして初めて、感情を表現として昇華することができるんです。

過去だけではなく現在も、感情は無理に抑え込まず、“いま自分が何を感じているのか”を素直に受け止める。それが、役と向き合うときも、自分自身に正直でいるための姿勢だと思っています。

――これまでのお話からも、表現へのこだわりや作家性を大切にされている印象を受けます。その感性は、どのように育まれてきたのでしょうか？

（撮影：長田慶）

やはり原点は、20代前半に学んだメソッド演技だと思います。自分の感情や記憶をとことん掘り下げる訓練を経て、自分の内面や核である個性を見つめ直すことができました。それがいまでも習慣のように残っています。自分の感性と向き合う姿勢は、そこで身についた気がします。

――表現は内面から生まれる、という感覚でしょうか。

そうですね。“人間性が藝に通じる”って、よく言いますけど、まさにそれですよね。どんな日常を送って、どんなことを感じているのか――そうした日々の積み重ねが、そのままその人の表現に影響すると思っています。

僕は日常のなかで、心がざわついた瞬間や『面白いな』と引っ掛かったことをスマホにメモしておくんです。そういう違和感や気づきが、あとで脚本を書くときのヒントになったりする。自分の心の動きを丁寧に見つめることが、“自分を知る”ことにもつながって、自分にしかないオリジナリティを理解することになるんですよね。